Black Atlantic, recenzie la Muzeul Fitzwilliam – un spectacol de referință despre legăturile Cambridgeului cu sclavia

Îmbrăcat opulent într-o tunică purpurie, subiectul tabloului „Portret al unui african” de Jan Jansz Mostaert privește gânditor, chiar imperios, în depărtare, cu mâinile sale cu mănuși crem încleștând o sabie și o poșetă – simboluri ale statutului și bogăției. Pictat în ulei în 1525-30, el pozează cu mâna pe șold, cu „cotul renascentist”, dominând spațiul.

Considerat a fi cea mai veche reprezentare europeană de artă plastică a unui bărbat african, și împrumutat de Rijksmuseum din Amsterdam pentru Atlanticul negru: Putere, oameni, rezistență la Muzeul Fitzwilliam din Cambridge, această prețioasă miniatură olandeză oferă o imagine a unei lumi dinaintea holocaustului sclaviei transatlantice. Până la sfârșitul secolului al XVII-lea, astfel de subiecte africane „pe deplin umane” vor „dispărea din arta europeană”, după cum explică Jake Subryan Richards, curatorul principal al expoziției. Printre nenumărate orori și minuni, această expoziție de neratat, gândită în mod strălucit și de neratat, co-curată de Victoria Avery, urmărește cu o claritate criminalistică cum și de ce a avut loc această pierdere.

Sala de intrare somptuoasă a Fitzwilliam „exemplifică prin grandoarea sa, și poate prin îngâmfarea sa, ceea ce a reprezentat această instituție”, potrivit directorului muzeului, Luke Syson. Printr-un „act deliberat de întrerupere” – prin intermediul obiectelor deținute în mare parte de opt muzee universitare din Cambridge și de o grădină botanică, de la arheologie la zoologie – această expoziție de referință dezvăluie modul în care acest „oraș al învățăturii” fără ieșire la mare (și, prin extensie, întreaga Britanie) a fost modelat de comerțul maritim cu ființe umane captive.

Syson a declarat într-un interviu că întoarcerea la conducerea Fitzwilliam de la Metropolitan Museum din New York, în urmă cu patru ani, i-a oferit distanța necesară pentru această sarcină. Distilând decenii de cercetare, poveștile spuse în această expoziție „profund bazată pe dovezi”, spune el, „încep în lucrurile pe care le avem”.

Pictura în ulei din 1764 a fondatorului, Richard Fitzwilliam, în calitate de absolvent de Cambridge cu aur, realizată de Joseph Wright, apare alături de „Portretul unui bărbat în costum roșu”, o pictură în ulei din 1740-80, realizată de un „autor necunoscut”. Până în acest an, s-a presupus că portretul era al scriitorului aboliționist de culoare Olaudah Equiano, care a trăit în Cambridgeshire. Dar nu se știe nimic cu adevărat despre identitatea celui care a stat în fața lui. Vizitatorii sunt îndrumați spre întrebări fundamentale despre cine este numit și cine este lăsat în anonimat, despre ceea ce este considerat demn de a fi observat, înregistrat sau rememorat și despre rolul artei și al cunoașterii în consolidarea dezumanizării.

Cel de-al șaptelea viconte Fitzwilliam, al cărui moștenire de 100.000 de lire sterline către universitate în 1816 a fost însoțită de o colecție de artă, datora o parte semnificativă a averii și a artei sale bunicului său matern care făcea comerț cu sclavi, Matthew Decker, născut în Olanda – un fapt „niciodată recunoscut public” până acum, spune Syson. Decker și-a adus cunoștințele despre comerțul olandez cu sclavi în Anglia în 1700. El a cofondat Compania Mării de Sud care, cu sprijinul statului, a obținut monopolul traficului de africani către Americile spaniole, contribuind astfel la „plasarea sclaviei în centrul capitalismului britanic timpuriu”. Un portret din 1720 realizat de Theodorus Netscher îl arată pe Decker în haină de mătase fină. Alături se află o natură moartă a lui Netscher – aproape un portret – a unui ananas plinuț din prima recoltă din Anglia, plantat pe proprietatea lui Decker din Richmond și servit regelui George I.

O expoziție cu tema „Sclavia înainte de rasism; negritatea înainte de sclavie” explorează particularitatea comerțului transatlantic care a transportat peste 12,5 milioane de africani captivi în America între 1400 și 1900. Anterior, sclavia nu era nici rasială, nici neapărat ereditară (o sclavă reprezentată pe mulajul de ipsos al unei stele grecești din anul 400 î.Hr. se distinge prin statura sa mai mică). Și servitorii albi și deținuții lucrau pe plantații. Dar până în 1700, legile coloniale britanice au echivalat sclavia cu negritatea.

Artiștii și scriitorii au contestat de mult timp istoricul incomplet al acestor colecții. (Nu întâmplător, romanul lui Caryl Phillips din 1991 despre sclavia din Caraibe s-a intitulat Cambridge, după numele sclavului său alfabetizat eliberat). Arta contemporană apare, cu o imensă putere cumulativă, alături de obiectele care au provocat-o. O schiță pliată din 1808 a navei de sclavi Brookes din Liverpool este prezentată împreună cu 14 fotomontaje monocrome ale lui Keith Piper, juxtapunând în mod ironic astfel de planuri de stivuire cu sloganul din 1865, „Go West Young Man” (1987). Cu ajutorul acestor fotomontaje, Piper își imaginează o conversație între un tată și un fiu în Marea Britanie post-Windrush, în mijlocul moștenirii de frică și fantezie care încă îi prezintă pe bărbații de culoare ca pe un „nexus de sex și sălbăticie” și „forța brută personificată”.

„Tabelul de culori” (1686) al lui Richard Waller, care ilustrează rolul oamenilor de știință în justificarea sclaviei ereditare, apare lângă ironicul „Codexul culorilor (ediția iluministă)” (2023) al lui Keith Piper: o cutie cu 15 recipiente de pigment aranjate în funcție de o ierarhie arbitrară a tonurilor pielii. Hărți, globuri și un cronometru marin din 1828 sugerează modul în care patronajul regal și de stat pentru știință a avut un motiv ascuns. Stimulentul în bani acordat de parlamentul britanic în 1714 pentru a rezolva problema calculării longitudinii pe mare a fost în mare parte pentru a ajuta navigația navelor de sclavi.

Reprezentările artistice ale persoanelor de culoare s-au schimbat după anii 1600 pentru a reflecta și a susține status quo-ul emergent. În tabloul lui Peter Lely „Elizabeth Murray, Lady Tollemach, cu un servitor negru” (1651), albul aristocratei este idealizat și accentuat de servitoarea ei afectuoasă, fără nume, care se retrage în fundal. Contrar acestei viziuni, Barbara Walker reliefează contururile figurilor albe din tablourile vechi pentru a scoate în evidență subiecți negri fără nume desenate cu grafit. În „Vanishing Point 29 (Duyster)” (2021), un bărbat african îmbrăcat cu o eșarfă este în centrul atenției.

Produsele sclaviei – de la mahon la tutun – au transformat consumul european, creând moda în materie de bunuri de lux. Un bol de punch din Liverpool pictat cu galeoni poartă inscripția pro-sclavie „Comerțul cu Africa”. Cu toate acestea, obiectele banale ascundeau mai des originile produselor. Un borcan de tutun din Delft înfățișează un bărbat indigen din Havana care oferă butoaie de tutun unui comerciant european, ascunzând astfel subjugarea implicată. Cadânele din mahon și argint ale lui Fitzwilliam, pe care era gravată stema sa, igienizau ceaiul și zahărul din plantații pe care le conțineau.

O ultimă secțiune despre plantații evidențiază rolul lor în producerea de cunoștințe științifice. Naturaliștii – cum ar fi John James Audubon în cartea sa The Păsările din America (1827-38) – i-a folosit pe cei care lucrau pe plantații ca surse neacreditate. Desenul din 1705 al Mariei Sibylla Merian, care înfățișa o tarantulă cu degete roz devorând în mod neverosimil o pasăre colibri, a fost probabil confundat cu folclorul vest-african Anansi. Acuarela lui John Tyley a unui arbore de fructul pâinii, realizată de un rar artist-botanist de culoare din Antigua, este excepțională prin faptul că înfățișează un muncitor de pe plantație odihnindu-se sub el.

Picturile peisagistice, cum ar fi idila pastorală a lui Frans Post cu o moară de zahăr din anii 1650, au spălat prin artă violența abjectă. Totuși, dacă arta ascunde, ea poate și expune. Lucrarea „History at the Dinner Table” (2021) a lui Jacqueline Bishop răspunde jurnalului ilustrat de sălbăticie al căpitanului Stedman din 1779, care consemnează înăbușirea maronilor din Surinam. Frumusețea decorativă a serviciului de osânză de China decorat cu flori al lui Bishop îi ascunde ororile. Într-una dintre cele 18 planșe pictate, un supraveghetor cu haină roșie leagă o femeie de glezne. În alta, o figură cu picioarele întinse este biciuită.

Un clopot de plantație din Demerara, turnat în 1772 pentru a ordona ziua de lucru, a fost donat Colegiului St Catharine’s în 1960. Îndepărtat de la intrarea în colegiu în 2019, „când legăturile directe cu sclavia sunt pe deplin înțelese”, este expus aici, răsturnat. Sculpturile opresive, asemănătoare unor gloanțe din mucegaiuri de zahăr, din cadrul expoziției regretatului Donald Locke Seria Plantation au fost create la Londra în anii 1970. La jumătate de secol distanță și, inspirându-se în parte de la acești artiști, această expoziție care dă de gândit poate fi o revelație pentru mulți – și eliberatoare pentru toți. Merită să fie văzută și să se reflecteze asupra ei.

Până la 7 ianuarie 2024. fitzmuseum.cam.ac.uk