Cele mai bune 22 de filme care te fac să te simți prost și îți distrug starea de spirit

Care este, poate vă întrebați, diferența dintre un film care te face să te simți rău și un film lacrimogen? În esență: Plânsul la un film lacrimogen aduce catharsis, ușurare, chiar și un sentiment de bucurie. Un feel-bad movie, însă, este un film bun care se simte doar îngrozitor de urmărit, genul de poveste captivantă pe care s-ar putea să nu te mai poți convinge să o urmărești vreodată. Este, pe scurt, exact opusul unui film de bun-simț. Dar dacă te afli în căutarea intenționată a unui film care te pune într-o stare de disperare profundă, cine suntem noi să judecăm?

Mai jos, vă recomandăm 22 de șezători dure care vor face exact acest lucru – deși am decis să nu includem filme despre Holocaust, sclavie și alte atrocități istorice, deoarece ar fi ușor să umplem o astfel de listă doar cu astfel de povești. (De asemenea, nu există nici filme porno de tortură și puține filme de groază în toată regula: Violența grafică nu este exact vibrația negativă pe care o urmăream, după cum veți vedea). Apăsați play, dacă îndrăzniți.

Portocala mecanică (1971)

Clasicul distopic incredibil de influent al lui Stanley Kubrick a fost cenzurat pe scară largă la lansare, iar vizionându-l astăzi, poți înțelege de ce – există o tentativă de viol în grup în primele cinci minute ale filmului, iar de aici încolo lucrurile devin din ce în ce mai tulburătoare. Dar chiar și dincolo de diferitele acte de „ultraviolență” săvârșite de Alex DeLarge (Malcolm McDowell) și „droogii” săi (uneori) loiali – ca să nu mai vorbim de secvența visceral de inconfortabilă în care Alex este „reabilitat” cu ajutorul terapiei de aversiune și a unor cleme care se pare că l-au orbit temporar pe McDowell…Clockwork este o simfonie de energie negativă elegantă. Este revelator faptul că romanul original al lui Anthony Burgess include un capitol final în care Alex se reformează cu adevărat… dar această coda nu se regăsește nicăieri în filmul lui Kubrick. –Hillary Busis

Prin amabilitatea Everett Collection

Taxi Driver (1976)

Sunt chiar mai mulți Travis Bickles în lume acum decât erau atunci când Taxi Driver a șocat pentru prima dată publicul, ceea ce ar putea face ca acest film timpuriu Martin Scorsese capodoperă și mai deprimantă în zilele noastre decât era atunci. Dar Taxi Driver rezistă din mult mai multe motive decât actualitatea descurajantă, de la Robert De Niro de la Scorsese și de la Paul Schrader abordarea cinică a politicii și a mass-mediei. New York-ul s-a schimbat mult de când Taxi Driver, dar aura amară a nadirului anilor ’70 nu este deloc greu de identificat. -Katey Rich

, 1988. MCEG Productions/ Everett Collection.

Războiul ciocolatei (1988)

Ne place să idealizăm rebeliunea, dar adevărul este mult mai greu de suportat. De obicei, cei care se ridică pentru a rezista cruzimii, nedreptății și indiferenței o fac singuri. Și, de obicei, sunt, de asemenea, distruși pentru asta. Ilan Mitchell-Smith interpretează rolul unui adolescent de la un liceu catolic de tip hard-knocks care decide să ia totuși atitudine. Bazat pe celebra carte pentru adolescenți a lui Robert Cormier, filmul urmărește cum personajul lui Mitchell-Smith refuză cu fermitate să participe la concursul anual de vânzare de ciocolată care strânge o avere pentru Liceul Trinity. Refuzul său nu poate fi permis, ca nu cumva să-i inspire și pe alții, așa că este marcat pentru a fi anihilat. Bătaia de joc și chinurile la care este supus – atât din partea colegilor, cât și a corpului didactic coroziv – aproape că reușesc (John Glover este deosebit de carismatic în rolul sadicului frate Leon). Dar băiatul nu cedează, ceea ce este ceva ce merită sărbătorit. Regizor Keith Gordon (citat pe această listă și pentru filmul său de urmărire, A Midnight Clear) încheie filmul cu unul dintre bătăușii cheie care este doborât de pe peronul său. Dar finalul fericit este distrus atunci când vedem ce îi ia locul acelui băiat: ceva mult, mult mai rău. – Anthony Breznican

Drepturi de autor © ©Saban Int’l/Courtesy Everett Collection / Everett Collection

Dispariția (1988)

Acest lucru va suna ca o hiperbolă, dar versiunea olandeză a The Vanishing este chiar mai supărător decât faptul că Hollywood-ul l-a convins ulterior pe regizorul George Sluizer să realizeze o versiune în limba engleză cu Sandra Bullock, Kiefer Sutherland, și un final fericit. Iată complotul originalului, mai puțin scena finală uluitoare, pe care ar trebui să o vedeți cu ochii voștri, ca să vă bântuie pentru totdeauna: Un cuplu tânăr pe nume Rex și Saskia se oprește să alimenteze într-o zonă de odihnă în timpul unei călătorii cu mașina. Saskia dispare fără urmă. (Titlul în limba olandeză este Spoorloos-cât de grozav este acest cuvânt?) Rex petrece ani de zile încercând să rezolve misterul a ceea ce s-a întâmplat cu ea, și chiar merge la televizor pentru a spune celui care i-a răpit prietena că vrea doar să știe ce s-a întâmplat. Psihopatul în cauză îi oferă lui Rex un târg îngrozitor: îi va dezvălui totul lui Rex făcându-i același lucru și lui. Este el înăuntru sau afară? Trama sumbră și de neuitat a filmelor originale constă în simplitatea sa, precum și în modul în care se îndreaptă spre o ultimă scenă care constituie cel mai mare coșmar al multora dintre oameni. Filmul este uluitor în ambele sensuri ale cuvântului. –Jeff Giles

Sovereign Pictures/ Prin amabilitatea: Everett Collection.

A Midnight Clear (1992)

Aproape de sfârșitul celui de-al Doilea Război Mondial, un grup de soldați de recunoaștere din armata americană (Ethan Hawke, Arye Gross, Kevin Dillon, Frank Whaley) își stabilesc reședința într-o vilă bombardată din apropierea frontului, chiar în apropierea Crăciunului. În timp ce încearcă să măsoare prezența trupelor inamice, ei întâlnesc un grup de soldați germani care spun că nu cred în războiul lui Hitler și nu vor să moară pentru el, dar știu că familiile lor vor fi trase la răspundere dacă se predau. Grupurile elaborează un plan ingenios pentru a pune în scenă o bătălie falsă care le va permite germanilor să fie capturați cu onoare, acordând în același timp credit unui membru al cercetașilor americani șocat de obuze (interpretat de Gary Sinise) care poate fi trimis acasă ca un erou. Regizorul Keith Gordon adaptează fără menajamente romanul lui William Wharton, care îndreaptă această premisă plină de speranță spre cel mai întunecat abis imaginabil. Este un film grozav, un film de Crăciun grozav, dar unul care îți va frânge inima și o va lăsa așa. – A.B.

©New Line Cinema/Curtesy Everett Collection

Șapte (1995)

Ce David Fincher scapă la sfârșitul filmului Șapte s-ar putea să nu fie chiar atât de îndrăzneț pe cât vă amintiți – de fapt, nu avem de fapt vezi ce se află în cutie – dar este totuși o palmă pe cinste, mai ales pentru 1995 și pentru un regizor al cărui unic credit anterior a fost dezastruosul Alien 3. La fel ca multe dintre filmele lui Fincher care aveau să vină, inclusiv cel care s-a autoproclamat ca fiind filmul de senzație de Crăciun 2011, stilul plonjează publicul prin numeroasele lucruri îngrozitoare întâlnite de polițiștii interpretați de Brad Pitt și Morgan Freeman. S-ar putea chiar să vă treziți că vreți să îl urmăriți din nou, în ciuda gropii din stomac de la sfârșit. -K.R.

Jocuri amuzante (1997)

Este o comedie neagră de moravuri, o satiră usturătoare atât a valorilor burgheze, cât și a culturii noastre obsedate de violență, un pic de nihilism urât deghizat în artă, o poveste de groază domestică prea puțin credibilă, un experiment postmodern? Filmul lui Michael Haneke intitulat ironic, thriller-ul lui Michael Haneke rezistă în mod intenționat categorisirii. Dar un lucru este clar în legătură cu acest film care s-a remarcat la Cannes: după ce ați asistat la jocurile sadice prin care o pereche de interlopi extrem de politicoși supun o familie austriacă din clasa superioară, nu trebuie neapărat să vizionați remake-ul în limba engleză al lui Haneke din 2007, care este practic același film, dar în care joacă Naomi Watts și Michael Pitt. Dacă nu cumva și tu ești un împătimit al pedepselor. -H.B.

Drepturi de autor © © ©Lions Gate/courtesy Everett Collecti / Everett Collection

Fericire (1998)

Scena independentă a anilor ’90 a fost plină de portrete sumbre și mai degrabă lipsite de bucurie ale suburbiei americane, dar niciunul nu a abordat mizeria clasei de mijloc la fel de sincer și de necruțător ca Todd Solondz’s Happiness. Centrat pe viața neplăcută a trei surori adulte, filmul se deschide cu dezvăluirea faptului că una dintre femei, Trish (Cynthia Stevenson), este căsătorită cu un psihiatru apreciat (Dylan Baker) care duce o viață secretă de pedofil. Lucrurile devin cumva mai întunecate de aici, filmul descriind cu franchețe grooming-ul, agresiunea sexuală și alte forme de abuz. Eficacitatea înfricoșătoare a filmului se bazează pe caracterul său ordinar și nesentimental – portretul său crud și convingător al unui comportament depravat și monstruos care are loc chiar alături, chiar dincolo de o peluză bine îngrijită. -David Canfield

Un plan simplu (1998)

„Trebuie să-ți amintești cum te văd oamenii. Ești doar un tip normal. Un tip drăguț, dulce, normal…. Nimeni nu ar fi crezut vreodată că ai fi capabil să faci ceea ce ai făcut.” Aceste cuvinte brutal de tăioase sunt menite să-l consoleze pe Bill Paxton, care a declanșat un torent de durere, suferință și moarte după ce a găsit în pădure o geantă plină cu milioane de dolari. În calitate de soție a lui Lady Macbeth, Bridget Fonda îl asigură că este foarte probabil să scape cu toate faptele sale teribile, dacă va continua să meargă mai departe. Dar acesta este pumnul în stomac al Sam Raimi’s filmul, bazat pe cartea lui Scott B. Smith: Personajul lui Paxton a fost un om bun, cel puțin până când și-a descoperit propria cruzime în acea geantă cu bani. Când nu mai avea nimic, cel puțin avea sufletul său. Cu acesta dispărut, nu prea există consolare în promisiunea sa. Nimeni care îl cunoaște nu și-ar putea imagina că ar putea face astfel de lucruri, ceea ce înseamnă că nimeni nu l-a cunoscut cu adevărat. Inclusiv el însuși. – A.B.

©Artisan Entertainment/Curtesy Everett Collection

Requiem pentru un vis (2000)

De unde să începem cu Filmul lui Darren Aronofsky un instrument de descurajare mult mai eficient decât orice ar fi putut inventa DARE? Există oroarea corporală din Jared Leto’s Harry împușcându-se într-un braț care este mai mult rană decât membru; există coșmarul liric al acelei secvențe finale de bravură, un coșmar halucinant în care fiecare dintre cele patru personaje principale ale filmului se scufundă în cele mai joase puncte (în special Jennifer Connelly săraca Marian). Dar, în principal, există Ellen Burstyn, o minune fragilă în rolul mamei singuratice a lui Harry, Sara, care ia pastile de slăbit. Depresia ei treptată este atât fascinantă, cât și insuportabilă – genul de performanță pe care nu te poți opri din vizionat, dar pe care nu vrei să o mai vezi a doua oară. -Hillary Busis

©Weinstein Company/Curtesy Everett Collection

Ceața (2007)

Un nor alb și ciudat învăluie un orășel, prinzând un grup de locuitori în interiorul unui magazin alimentar. Nu e mare lucru, nu? Doar că există ceva acolo. Unele lucruri. Și sunt mari, înfometați și practic nedetectabile până când atacă. Stephen King’s a fost publicată pentru prima dată în 1980 și a fost întotdeauna una dintre preferatele fanilor, o variație literară a unor creaturi din anii 1950, precum The Blob și Ei. După ce anterior l-a adaptat pe King cu The Shawshank Redemption și The Green Mile, regizor Frank Darabont a transformat acest amestec de monștri într-o metaforă post-11 septembrie despre ce se întâmplă atunci când lăsăm frica să învingă rațiunea. Cei curajoși se descurcă bine în The Mist, în timp ce cei care cedează în fața panicii sau terorii au inevitabil o soartă macabră. Sfârșitul este rezumatul perfect al acestui lucru, dar rămâne ca un final notorietate, chinuitor și tulburător. Și, deși diferă de finalul lui King, însuși scriitorul a declarat că și-ar fi dorit să fi venit cu el: „Finalul este atât de zguduitor – wham!” – încât este înspăimântător. Dar oamenii care merg să vadă un film de groază nu vor neapărat să fie trimiși la plimbare cu un final pollyanna”. – Anthony Breznican

©Weinstein Company/Curtesy Everett Collection

Blue Valentine (2010)

Uitați ce Nicole Kidman a spus în acea reclamă AMC: Inima frântă se simte de fapt rău într-un loc ca acesta. Blue Valentine stele Michelle Williams în rolul lui Cindy, o ambițioasă studentă la medicină, și Ryan Gosling în rolul lui Dean, un licean alcoolic care a abandonat școala. Povestea lor de dragoste neașteptată începe cu o chimie electrică care se erodează în timp, lăsându-i într-o căsnicie disfuncțională și, în cele din urmă, nesustenabilă. O poveste spusă în genul lui Jason Robert Brown muzical Ultimii cinci ani, Blue Valentine sare între două narațiuni, trecând înainte și înapoi în timp pentru a ne arăta momentele de vârf și de coborâre ale relației dintre Dean și Cindy. Scenarist și regizor Derek Cianfrance și-a făcut un nume în genul „feel-bad”, după ce a regizat Sound of Metal și Locul de dincolo de pini în anii care au trecut de atunci – dar în Albastru Valentine, doar al doilea său film de lungmetraj, Cianfrance și-a dovedit calitățile. Blue Valentine vă va purta pe un roller coaster emoțional în timp ce prezintă fiecare etapă a unei relații condamnate, de la începutul fericit până la sfârșitul chinuitor. De asemenea, există și un câine mort. –Chris Murphy

©Columbia Pictures/Courtesy Everett Collection

Rețeaua socială (2010)

Aaron Sorkin’s aciditatea incisivă se potrivește bine cu David Fincher’s înclinația lui David Fincher pentru tenebrele întunecate, creând o poveste de origine care devine din ce în ce mai sumbră odată cu trecerea timpului. Filmul câștigător al premiului Oscar relatează începuturile Facebook, zilele în care era doar un perturbator colegial, iar cele mai insidioase capitole ale sale nu fuseseră încă scrise. În interpretarea lui Jesse Eisenberg, este ceva ciudat în legătură cu Mark Zuckerberg apărând la întâlnirile de afaceri în flip-flops „fuck-you flip-flop” și șoptindu-și în șoaptă insulte lapidare prin sălile de consiliu, având în vedere influența mult mai sinistră pe care a avut-o creația (sau achiziția, cum ar fi Eduardo Saverin și gemenii Winklevoss) a avut în cele aproape două decenii care au trecut de atunci. Deși există ceva amuzant în a ni-l imagina pe Zuckerberg, după atâta timp, așteptând în continuare fără chef de muncă pe Rooney Mara pentru a-i accepta cererea de prietenie. –Savannah Walsh

©Magnolia Pictures/Curtesy Everett Collection

Melancholia (2011)

Poate că este vorba de criza climatică cu încetinitorul, sau de ambuteiajul în curs de desfășurare al războiului, sau de incertitudinea inteligenței artificiale pe fondul concedierilor în masă – dar în acest moment, complotul negativist al lui Melancholia, Filmul lui Lars von Trier film despre distrugerea iminentă a unei planete rătăcitoare, are o simplitate reconfortantă. Cine poate da vina pe o piatră mare? Von Trier s-a inspirat dintr-un fenomen despre care a învățat în terapie: faptul că persoanele depresive rămân uneori ciudat de calme în momentele de catastrofă, deoarece sunt deja exersate în a se aștepta la ce e mai rău. Kirsten Dunst își asumă acest rol aici, în rolul unei mirese radiante devenită o clarvăzătoare stoică. Charlotte Gainsbourg joacă rolul surorii sale, care este distrusă de vestea apocaliptică. (Gainsbourg joacă, de asemenea, în Antichrist și Nymphomaniac, care împreună alcătuiesc așa-numita Trilogie a depresiei a lui von Trier). Melancholia imaginile – călăritul călare prin ceață, scăldatul nud în lună – au o grandoare de operă, îmbrăcând anticiparea altfel neliniștitoare. Într-un fel, imaginea de ansamblu provine din tirada împotriva căsătoriei rostită de mama miresei (o Charlotte Rampling): „Bucură-te de ea cât mai durează.” –Laura Regensdorf

©Paramount/Courtesy Everett Collection

Young Adult (2011)

În timp ce se derulează genericul de final, Diana Ross cântă: „Nu trebuie să ne schimbăm deloc” – un sentiment din cântecul ei din 1973, „When We Grow Up”, care Charlize Theron’s Mavis a îmbrățișat. La începutul filmului Diablo Cody’s fosta regină a balului de absolvire este o scriitoare deprimată cronic, al cărei ritual zilnic de a bea Coca-Cola dietetică cu două beri și de a se uita la Realitatea TV este întrerupt doar de un complot prost conceput pentru a distruge casa iubitului ei din liceu. După ce eșuează pe acest front, Mavis se aruncă din brațele fostului ei iubit (Patrick Wilson) până la cele ale fostului coleg de clasă cinic cu care își găsește o rudenie improbabilă (Patton Oswalt). Ea flirtează cu un nou început, dar după ce punctul ei de vedere disfuncțional este întărit de un personaj separat, Mavis se strecoară înapoi în rochia ei pătată de vin din noaptea precedentă și respinge orice fel de răscumpărare. Regizor Jason Reitman a insistat asupra acestui final amar, a spus el odată, pentru că în viața reală, „nemernicii nu se schimbă așa cum o fac în mod normal în actul al treilea al filmelor”. –Savannah Walsh

©Sony Pictures/Courtesy Everett Collection

Amour (2012)

Protagoniștii celui de-al doilea film al lui Michael Haneke de pe această listă au aproape aceleași nume ca și personajele principale din Funny Games: ei sunt Georges (Jean-Louis Trintignant) și Anne (Emmanuelle Riva), o pereche de muzicieni căsătoriți de mult timp și aflați acum la apusul vieții. Dar cam aici se termină asemănările. Acolo unde filmul anterior este rece și batjocoritor, Amour este, dacă nu caldă, tandră și convingătoare, deoarece prezintă cu eleganță deteriorarea stării de sănătate a lui Anne și eforturile lui Georges de a o îngriji în ciuda vârstei sale înaintate. Declinul lor treptat este dureros de urmărit, dar este imposibil să nu privești. -H.B.

Drafthouse Films/curtesy Everett Collection

Actul de a ucide (2012)

Actul de a ucide meditează asupra însăși noțiunii de film de groază, cerându-le subiecților săi să facă unul din evenimente reale și îngrozitoare și observându-i cum o fac cu zâmbetul pe buze. Acest documentar revelator din Joshua Oppenheimer urmărește diverse persoane în vârstă de pensionare, care, cu zeci de ani înainte, au participat la uciderea în masă a milioane de indonezieni. Întâlnim acest grup nu plin de remușcări sau reprimat, ci mândru – dornic să povestească ceea ce au făcut. Oppenheimer colaborează cu acești bărbați la o serie de reconstituiri, în timp ce aceștia fac cu bucurie un spectacol cinematografic din acte barbare de violență. Rezultă secvențe atât de întunecat de comice în realismul lor oribil, atât de îndepărtate de ceea ce considerăm a fi o busolă morală standard, încât vorbesc în mod singular despre puterea de reprezentare a filmului – pentru că, în mintea acestor criminali, epopeile de la Hollywood și genocidul real nu sunt atât de departe unul de celălalt. Actul de a ucide prezintă o teză despre capacitatea filmelor de a ne face să ne simțim rău, da, dar interoghează, de asemenea, ceea ce se ascunde în spatele lor atunci când ne fac să ne simțim bine. -D.C.

©Weinstein Company/Curtesy Everett Collection

Fruitvale Station (2013)

Bazat pe povestea adevărată a lui Oscar Grant, un tânăr ucis de un polițist în Oakland, California, Fruitvale Station îl urmărește pe Grant în ultima zi a vieții sale. Micile momente din ceea ce începe ca o zi obișnuită îl umplu pe spectator de teamă pentru ceea ce va urma. O poveste captivantă și spusă cu sensibilitate, Stația Fruitvale continuă să rămână relevantă chiar și după ani de zile, în condițiile în care bărbații de culoare continuă să își piardă viața în mâinile poliției. Și, deși este o vizionare devastatoare, filmul va ocupa pentru totdeauna un loc important în istoria cinematografiei, deoarece filmul lui Ryan Coogler în lume, precum și pentru a stabili Michael B. Jordan ca un actor principal talentat care a reușit să ofere o interpretare nuanțată, plină de dor și disperare. -Rebecca Ford

©Sony Pictures/Courtesy Everett Collection

Foxcatcher (2014)

Înainte de a exista frații de lupte condamnați din Gheara de Fier, au fost frații luptători condamnați din 2014. Foxcatcher. Când filmul a fost lansat, o mare parte din atenție s-a concentrat pe rolul lui Steve Carell interpretarea transformatoare (inclusiv nasul fals) – dar inima filmului este relația tandră dintre frații Mark (Channing Tatum) și David Schultz (Mark Ruffalo), care acceptă generozitatea milionarului John du Pont, un milionar fanatic al luptelor de wrestling, interpretat de Carell, cu consecințe dezastruoase. Ocazional amuzant și întunecat, dar în cea mai mare parte mizerabil, este o vitrină pentru interpretări excelente și Bennett Miller regie care s-ar putea să te facă să simți admirație pentru realizarea artistică pe lângă toate acele vibrații negative. -K.R.

Drepturi de autor © ©Roadside Attractions/Courtesy Everett C / Everett Collection

Manchester by the Sea (2016)

Moartea, durerea, ura de sine, eșecul și peisajele înghețate atât la propriu cât și la figurat nu au posedat niciodată o frumusețe mai cathartică decât în această capodoperă plină de mizerie a scriitorului și regizorului Kenneth Lonergan. Jucând rolul unui om de serviciu distrus emoțional care încearcă cu reticență să aibă grijă de fiul adolescent al fratelui său mort (Lucas Hedges, în rolul său de debutant), Casey Affleck este, practic, zeul grec al incapacității de a-ți reveni după o tragedie zdrobitoare. Dar este MVP-ul care se simte rău Michelle Williams, în scena sa de prezentare ca fosta sa soție înstrăinată, care vă va scurge canalele lacrimale și vă va lăsa ciudat de uimit de curajul pur și simplu de care este nevoie pentru ca fiecare dintre noi să treacă printr-o zi nenorocită în această lume nebună și plină de răni. Prea multe filme despre suferință sfârșesc prin a te lăsa amorțit; acesta chiar îți deschide inima. Dacă stau să mă gândesc bine, ar trebui să-l revăd! -Michael Hogan

Copyright © Everett Collection / Everett Collection

Hereditar (2018)

Ari Aster este, fără îndoială, cel mai important regizor de film american care se simte rău, transformând povești despre problemele mamei și despre cel mai prost prieten din istorie în epopei captivante și foarte amuzante. Dar niciunul dintre filmele sale nu vă va face să vă simțiți mai rău decât primul său film, filmul care a transformat, fără îndoială, „horror-ul elevat” într-un cvasi-gener propriu. A devenit un clișeu să afirmi că un film de groază este de fapt despre traume, dar asta se datorează în mare parte și lui Hereditary, o vizionare aproape insuportabil de neplăcută centrată pe artista Annie Graham (Toni Collette, într-adevăr în căutarea ei) și tragedia familială pe care se pare că este destinată să o îndure. Toate acestea, plus una dintre cele mai groaznice morți de copii surprinse vreodată pe peliculă, arată clar de ce Annie chiar nu vrea să fie întrebată dacă este bine. -H.B.

Prin amabilitatea Everett Collection

Pietre prețioase netăiate (2019)

Ați simțit vreodată mai multă anxietate în timp ce vă uitați la un film decât prima dată când ați văzut Uncut Gems? Urmărind indie-ul absurd de stresant al lui A24, regizat de către Safdie frați și cu un actor care nu a fost niciodată mai bun Adam Sandler, se simte ca și cum ai merge pe o coardă elastică deasupra unui bazin cu rechini în timp ce ești urmărit de un urs. Dependent de jocuri de noroc și proprietar al unui magazin de bijuterii din cartierul de diamante din Manhattan, Howard Ratner, interpretat de Sandler, riscă totul în mod repetat pentru a-și plăti numeroasele datorii, printre care se numără și 100.000 de dolari pe care îi datorează cumnatului său Arno (Eric Bogosian). De-a lungul drumului, Howard joacă și face scheme în timp ce jonglează cu conturile sale, cu soția sa Dinah (Idina Menzel), copiii săi, superstarul NBA Kevin Garnett, star pop Abel „The Weeknd” Tesfaye (cu o prestație care îi pune în valoare munca sa în cadrul nefericitului Idolul de rușine) și, bineînțeles, Josh Safdie’s muza Julia Fox, în rolul iubitei lui Howard. Stilul frenetic al fraților Safdie și Daniel Lopatin partitura pulsantă nu face decât să amplifice haosul. Sandler a fost pur și simplu jefuit de o nominalizare la Oscarul de actor principal în acel an – dar poți paria pe ultimul tău dolar că, dacă îl privești în Uncut Gems, veți avea parte de un moment grozav de neplăcut. –C.M.